Vous êtes lauréate 2024 du FAIR. Comment ce dispositif a-t-il concrètement accompagné le développement de votre carrière et votre professionnalisation ? 

Ces dernières années, j’ai eu la chance d’être accompagnée par plusieurs dispositifs, mais le FAIR est de loin le plus complet. Il propose un suivi à la fois artistique, juridique et financier, avec une bourse, des résidences de création et un vrai travail collectif avec les autres lauréats. Il offre aussi des opportunités de tournée et de diffusion à l’international, ce qui m’a permis de faire voyager ma musique. En sortant du FAIR, on passe vraiment du statut d’artiste qui découvre le métier à celui d’artiste professionnel, conscient des enjeux juridiques, administratifs et contractuels. C’est un apprentissage essentiel, qui permet de mieux comprendre l’écosystème et d’aborder sa carrière avec plus de solidité. 

En tant que lauréate, vous bénéficiez du soutien de l’Institut français. En 2025, vous avez fait plusieurs dates en lien avec le réseau culturel français à l’étranger. Était-ce vos premiers pas à l’international et comment votre musique a-t-elle été accueillie ?

Oui, on peut dire que c’étaient mes premiers pas à l’international. J’y suis allée sans vraiment savoir à quoi m’attendre, d’autant plus que ces dates étaient souvent accompagnées d’ateliers et de cours dans des écoles. L’accueil a été incroyable partout, et ça m’a confirmé que ma musique pouvait résonner bien au-delà de la France. Au début, je ne me sentais pas du tout légitime pour enseigner, mais ça m’a obligée à préparer, à m’adapter, et j’ai découvert que j’avais une vraie fibre pédagogique. Chaque pays avait son énergie, sa façon d’être, très réservée, par exemple, au Sri Lanka, beaucoup plus spontanée ailleurs, et j’ai appris à m’ajuster à ces contextes. Ça a été une expérience aussi formatrice qu’enthousiasmante. 

Au départ, j’avais intégré de l’anglais et du français dans mes chansons, et j’ai réalisé que le français avait exactement le même impact à l’étranger qu’en France. 

Vous avez joué en Hongrie, en Andorre, au Sri Lanka ou encore à São Paulo, en ouverture de la Saison France-Brésil 2025. Ces dates ont-elles modifié votre rapport à la scène, au public, ou même à votre propre répertoire ?

Oui, clairement, ces dates ont beaucoup renforcé ma confiance. Au départ, j’avais intégré de l’anglais et du français dans mes chansons, et j’ai réalisé que le français avait exactement le même impact à l’étranger qu’en France. Les publics ont accueilli mes chansons avec une grande générosité, partout, que ce soit au Sri Lanka ou en Hongrie. Ça m’a donné envie d’assumer pleinement un set majoritairement en français et de porter mon projet tel quel, partout dans le monde. Aujourd’hui, je me dis que si ça fonctionne dans des contextes aussi différents, c’est qu’il y a quelque chose d’universel dans cette musique. Ça n’a pas changé mon projet, mais ça m’a confortée dans sa direction, et ça m’a aussi ouvert le regard sur mon métier : transmettre, faire des ateliers, rencontrer d’autres cultures. J’ai vraiment eu le sentiment d’être “en mission”, et ça a élargi ma vision de ce que peut être la musique et de ce que ça veut dire représenter la France à l’étranger.

Lors de ces dates à l’international, y a-t-il un souvenir fort que vous aimeriez partager ?

Le voyage le plus marquant a clairement été le Brésil. Tellement marquant que j’ai décidé d’y retourner pour enregistrer mon album, avec l’accompagnement de l’ambassade de France et de l’Institut français. Là-bas, j’ai eu un sentiment très fort d’alignement, comme si toutes mes origines, françaises, congolaises, guadeloupéennes, convergeaient enfin au même endroit. J’ai eu l’impression qu’on s’est reconnus, le public et moi. Ces deux concerts ont vraiment changé la direction de ma vie et vont influencer mon art pour longtemps. La musique, les musiciens, leur gentillesse, cette liberté des corps et du langage… Le Brésil, pour moi, c’est un mélange de tout ce que je suis. Et c’est là-bas que j’ai décidé de continuer l’aventure et de faire naître mon premier album.

Vous étiez également programmée au MaMA Festival 2025, dans le cadre de la soirée de la Women Metronum Academy. Un festival avec lequel l’Institut français, le Centre national de la musique et le réseau culturel sont partenaires pour favoriser la présence de programmateurs étrangers. Comment s’est déroulée cette soirée et, plus largement, est-ce que cet événement vous a permis d’ouvrir de nouvelles perspectives de développement à l’international ?

Le MaMA est très important car tous les professionnels sont là pour “faire leur marché” et beaucoup de choses se jouent aussi dans les discussions après les concerts. C’est assez stressant en amont, mais, du coup, on donne tout sur scène. J’avais énormément travaillé pour cette date et ça a payé, puisqu’il y a aujourd’hui des pistes de programmation, notamment à Montréal et pour un festival de jazz en Afrique du Sud. C’est hyper encourageant et ça ouvre des horizons très différents. Et puis, grâce au lien avec l’Institut français et au réseau culturel, j’ai aussi découvert une autre dimension de ce métier : on représente quelque chose, on incarne une image de la France à l’étranger. Participer à ces échanges, rencontrer des ambassadeurs, m’a beaucoup marquée et inspirée. J’ai vraiment aimé cette idée de porter la culture française au-delà de la scène. 

Vous êtes désormais signée chez No Format, label indépendant important pour de nombreux artistes singuliers et inclassables où la place aux rencontres musicales et aux collaborations a toujours été essentielle. En quoi cette nouvelle étape marque-t-elle un tournant pour vous ?

Bien avant de me lancer dans la musique, il y a sept ans, j’avais déjà dressé la liste de tous les labels, des majors comme Sony ou Universal jusqu’aux labels indépendants, et No Format m’avait tout de suite frappée. Je m’étais dit qu’il fallait choisir sa “famille” avant de laisser d’autres décider à ma place. J’ai vraiment tout regardé en détail, et No Format cochait toutes les cases : un label humain, exigeant, élégant, avec une vraie vision artistique. Je savais que ce serait difficile d’y entrer, que c’était une maison qui signait peu d’artistes, et je me suis dit : j’ai sept ans pour travailler et y arriver. Aujourd’hui, je suis extrêmement fière de rejoindre ce label. C’est une étape importante, une très belle porte qui s’ouvre, avec des perspectives nouvelles, d’autant plus qu’ils sont basés à Paris et à Johannesburg, ce qui ouvre encore plus mon horizon musical. 

Ma priorité est la sortie de mon premier EP, Scandale au paradis, dont la sortie est prévue le 1er mai. 

Après cette année 2025 très dense, quelles sont vos envies et priorités pour 2026, en termes de création, de diffusion et de développement à l’international ?

Ma priorité est la sortie de mon premier EP, Scandale au paradis, avec No Format. Le premier titre, Les Colombes, a été diffusé en mars, avant la sortie complète prévue le 1er mai. D’ici là, il y a aussi beaucoup de très belles dates qui arrivent, notamment à la Philharmonie, et d’autres concerts importants, avec un grand rendez-vous de fin d’année à la Maroquinerie pour fêter tout ça. En parallèle, je vais continuer à développer les dates à l’international. Et puis, l’objectif, c’est aussi de retourner au Brésil début 2027 pour poursuivre le travail là-bas, notamment autour de l’album. Tout ça est rendu possible grâce au soutien de l’Institut français, et j’ai vraiment envie de m’inscrire dans cette dynamique sur le long terme, entre création, diffusion et ouverture à l’international.

Danseur et chorégraphe congolais, Delavallet Bidiefono dirige la compagnie Baninga et l’espace Baning’art à Brazzaville, et est à l’origine du festival Boya Kobina, qui a célébré sa 11e édition en octobre 2025. Dans cet entretien, il revient sur la construction de son parcours artistique, entre création, transmission et engagement social, ainsi que sur le rôle du programme Accès Culture, mis en oeuvre par l’Institut français et financé par l’AFD, dans le développement de ses projets et de ses collaborations locales. 

Vous êtes à la fois chorégraphe, directeur de compagnie, fondateur d’un espace culturel et d’un festival. Comment ces différentes activités se sont-elles construites et articulées au fil des années ? 

Pour moi, ces différentes activités forment un tout cohérent, qui s’est construit de manière très naturelle, étape après étape. J’ai d’abord créé ma compagnie de danse contemporaine, la compagnie Baninga, portée par la nécessité de disposer d’un lieu de répétition et de travail. À l’époque, au Congo, mon espace était le seul lieu indépendant entièrement dédié à la danse contemporaine, ce qui a impliqué un long travail de réflexion, de formation et d’accompagnement des danseurs. 

La transmission a toujours été au cœur de mon engagement : former les jeunes artistes, les intégrer à la compagnie, leur offrir un cadre de travail. C’est dans cette continuité que j’ai créé le festival Boya Kobina, avec le désir de mettre en lumière les talents et la créativité des danseurs congolais. Pensé comme un espace de fête et de rassemblement, le festival est une invitation à se retrouver pour célébrer la danse et, à travers elle, la vie. Boya Kobina signifie d’ailleurs « venez danser », une formule qui résume l’esprit de l’ensemble de mon parcours. 

La transmission a toujours été au cœur de mon engagement. 

Avec la compagnie Baninga et l’espace Baning’art, vous avez créé un lieu unique à Brazzaville, à la fois de création, de formation et de rencontre. Quelle vision du partage artistique guide ce projet ?

Le projet de Baninga et de Baning’art est avant tout guidé par une volonté de transmission et de partage. J’ai toujours eu le désir de transmettre mon expérience et de partager la danse avec les jeunes danseurs. La création de ce lieu répondait à une urgence très concrète : il n’existait aucun espace dédié à la danse contemporaine, alors même que je formais déjà des danseurs et dirigeais une compagnie. Baning’art s’est construit collectivement, pierre par pierre, avec les danseurs que je formais. J’ai choisi de l’implanter dans un quartier périphérique de Brazzaville, à Kombé, un territoire marqué par la guerre et la reconstruction. Installer un lieu de création dans cet espace relevait d’un geste fort : faire entrer la danse contemporaine dans un quartier où elle était inconnue, voire perçue avec méfiance. 

Au départ, il a fallu convaincre les habitants, les parents, les institutions, dans un contexte où la danse contemporaine était parfois assimilée à une forme de domination culturelle. J’ai tenu à défendre une autre vision : celle d’une danse comme espace de pensée, capable de transformer les regards et de participer au changement social. Très vite, le lieu s’est ouvert aux jeunes du quartier, aux enfants de la rue, à celles et ceux qui sortaient de la guerre. Baning’art est ainsi devenu un espace de création, de formation et d’accueil, mais aussi un lieu social, ouvert à tous, né de cette énergie collective et de ce désir d’offrir des alternatives par l’art.

Le programme Accès Culture, mis en œuvre par l’Institut français  et financé par l’AFD, a accompagné certaines de vos initiatives. En quoi ce dispositif a-t-il contribué au développement de vos projets et à la structuration du réseau culturel local ?

Le programme Accès Culture a joué un rôle décisif dans le développement de mes projets. Je tiens d’abord à souligner l’importance du soutien de l’AFD et de l’Institut français, qui ont cru en un projet ambitieux et atypique, Terre Kombe Danse que je porte en binôme avec Les Bancs Publics depuis 2020. Ce dispositif m’a permis de déployer des activités tout au long de l’année, à destination des danseuses et danseurs en formation à Brazzaville, mais aussi dans une démarche inclusive, ouverte aux habitantes et habitants du quartier de Kombé. L’enjeu principal était de créer du lien dans un territoire où la danse contemporaine était totalement inconnue. Grâce à Accès Culture, nous avons pu aller vers les habitants, dialoguer avec les familles, les chefs de quartier, les enseignants, et dépasser les peurs initiales liées à des incompréhensions culturelles et à l’histoire récente du pays. 

Le dispositif a également renforcé la structuration du réseau culturel local, notamment à travers le festival Boya Kobina. En accueillant des compagnies et des chorégraphes venus de différents pays africains, le festival a ouvert les regards, montré que ces pratiques s’inscrivent dans une dynamique internationale et offert aux publics comme aux danseurs une pluralité d’esthétiques, de gestes et de pensées. Aujourd’hui, cette ouverture se traduit par une appropriation forte des œuvres par les habitants de Kombé, parfois même plus engagés que les publics des salles du centre-ville. 

Boya Kobina est devenu un outil de transmission, autant artistique que sociale, à destination des jeunes danseurs comme des habitants du quartier de Kombé. 

Vous êtes également à la tête du festival Boya Kobina, qui a célébré sa 11e édition en 2025. Quelle place occupe ce rendez-vous dans le paysage culturel congolais et dans le dialogue entre artistes africains et internationaux ?

Le festival Boya Kobina est né d’un rêve simple : créer un temps de rassemblement annuel autour de la danse, un espace de célébration et de rencontre ouvert aux artistes congolais, africains et internationaux. Depuis le départ, l’enjeu est de faire dialoguer les esthétiques, les parcours et les générations, et de permettre aux artistes émergents de trouver une place et une visibilité, comme moi-même j’ai pu en bénéficier grâce aux rencontres faites, notamment à l’Institut français de Brazzaville.

Ce que je transmets aujourd’hui à travers le festival est directement lié à mon propre parcours avec les spectacles que j’ai vus, les chorégraphes que j’ai rencontrés et les opportunités qui m’ont été offertes. Boya Kobina est devenu un outil de transmission, autant artistique que sociale, à destination des jeunes danseurs comme des habitants du quartier de Kombé.

Après onze éditions, le festival occupe une place forte dans le paysage culturel congolais. Il s’est élargi, est devenu itinérant, a circulé dans plusieurs villes du Congo : Pointe-Noire, Dolisie et Nkayi. Grâce aux soutiens de l’Institut français et de l’AFD, le nombre de spectacles et de spectateurs a augmenté, et l’ancrage local s’est renforcé. Aujourd’hui, le festival est pleinement approprié par les habitants, les chefs de quartier et les autorités locales, qui le considèrent comme leur rendez-vous. Cet engouement génère aussi une dynamique économique et sociale, et nourrit désormais l’ambition de voir les institutions nationales s’engager davantage pour accompagner son développement et lui permettre de rêver encore plus grand. 

Rendez vous le 27 , 28 et 29 Novembre 2025 au Cameroun

Le groupe Heritaz Maloya, originaire du sud de l’île de La Réunion, se produira à Douala (Cameroun) les 28, 29 et 30 novembre 2025. Composé de six jeunes musiciens âgés de 18 à 32 ans, le groupe représente la nouvelle génération d’artistes engagés dans la préservation et la transmission du Maloya, musique emblématique de La Réunion, héritée des esclaves africains et profondément liée à la culture créole.

Elevés dans le respect des traditions et du culte des ancêtres, les membres d’Héritaz Maloya font vibrer ce patrimoine avec des percussions puissantes, envoutantes et festives. Depuis plus de dix ans, ils apportent une touche moderne à ce genre musical, mêlant rythmes traditionnels et influences contemporaines, pour offrir une expérience authentique, dynamique et accessible à tous.

Cette tournée à Douala marquera un moment fort de rencontre culturelle entre La Réunion et le Cameroun, célébrant l’histoire, la mémoire, la danse et l’unité des peuples par la musique.

En tournée avec le soutien du #FRAM, dispositif d’aide à l’export du PRMA Réunion – Région Réunion et KABAY PRODUCTION

Carrière

Rakesh a exposé ses œuvres dans plusieurs galeries à Maurice et à l’international, mettant en avant des thèmes de diversité culturelle et d’identité. Son style mélange des éléments traditionnels et modernes, reflétant la richesse de la culture mauricienne.

Œuvres Notables

1. « Mélodies de l’Île »
   Description : Cette série de peintures explore les différentes cultures de Maurice à travers des couleurs vibrantes et des motifs inspirés de la nature.
   
2. « Visages de l’Histoire »
   Description : Une collection de portraits représentant des figures historiques mauriciennes, célébrant l’héritage et la diversité de l’île.
   

Impact et Héritage

Rakesh Boodhoo a su toucher un large public grâce à son art, inspirant les jeunes artistes à s’exprimer à travers leur culture. Il est également impliqué dans des projets communautaires visant à promouvoir l’art local.

Conclusion

L’œuvre de Rakesh Boodhoo illustre la richesse et la diversité de la culture mauricienne. Par son engagement artistique, il continue de célébrer l’identité de l’île tout en attirant l’attention sur des questions sociales contemporaines.

Les héritiers du Maloya à l’honneur

LE FESTIVAL KOSSA I LÉ ?

Le Festival

Organisé et financé par la Ville de Belfort avec le soutien des associations étudiantes de l’Aire urbaine, le Festival International de Musique – FIMU de Belfort se déroule chaque année le week-end de la Pentecôte. Du 5 au 8 juin 2025 la cité du Lion se transformera en une majestueuse scène musicale internationale avec la représentation d’un millier de musiciens originaires d’une trentaine de pays différents.

Découvertes musicales, gratuité et convivialité : ce triptyque, résume, depuis sa création en 1987, l’ambiance de ce festival unique en son genre.

Jazz, musique classique, musiques du monde et musiques actuelles : les nombreux festivaliers attendus – familles, jeunes, curieux ou mélomanes – découvriront diverses sensibilités artistiques à travers des centaines de concerts gratuits.

INFOS SOURCE DU SITE FESTIVAL FIMU

LÉKIP HÉRITAZ MALOYA

Le groupe Maloya « HERITAZ MALOYA » vient du sud de l’île de la Réunion, plus précisément de et est composé de six musiciens, tous âgés entre 18 et 32 ans. Ils sont passionnés de Maloya cette forme musicale qui, comme le blues, est enracinée dans l’ esclavage, a des liens étroits avec la culture créole. Heritaz est connu comme un groupe dynamique de 7 membres qui célèbrent et défendent leur culture, portant le flambeau de leurs ancêtres mais surtout des anciens. Elevés dans le culte des ancêtres, le maloya a toujours été présent et se joue avec des percussions fascinantes et ludiques, Depuis 10 ans, Heritaz apporte de nouvelles approches à leur musique et révèle des rythmes aux couleurs très mélangées. C’ est une transmission de passion et de tradition aux générations futures .

DAN LO GROUP NA :

👉 André Gado  (Dédé) : chant,  bob

👉 Florence GILLES (Lo Ker) : chant

👉 Brandon Kengi Autal : sati, tambour, dum

👉 Uldrick Agathe (Didick) : congas, djembé, roulèr

👉 Anhil Beedassy : kayamb, accordéon

👉 Sulivan Agathe  : congas

MANAGER : THIERRY VILLENDEUIL

INFO SOURCE DOSSIER PRESSE HÉRITAZ MALOYA

Carton plein pour la Réunion

SIKA RLION , BLACKO ET MAYLAN À L’HONNEUR

Hier soir s’est déroulé les récompenses pour la soirée Reggae Dancehall au théâtre Longjumeau

avec en Marraine QUEEN OMEGA jury présidé par KING DADDY YOD produit par Dreadlocks TV

La Réunion représentée par RATMAN , SIKA RLION , BLACKO ET MAYLAN ont porté hauts les couleurs et leurs talents lors de cette soirée et récompensés par le fruit de leur de leur travail .

La chaîne Dreadlocks TV et deux de ses fondateurs essonniens organisaient ce mercredi 24 janvier, la toute première mouture des Reggae Dancehall Awards. Une cérémonie de remise des trophées inédite dans la culture reggae. Qui dit cérémonie de remise de prix dit évidemment… nominés. Et de ce côté là également, les organisateurs ont brassé large.
Pas moins de 12 catégories sont ainsi au rendez-vous, mêlant artistes bien identifiés (avec notamment un prix d’honneur), mais également des talents émergents.

Photos / Vidéo Thierry Villendeuil/ Cultureklicreunion/kabayprod à Paris .

MAYLAN MANAZA , SIKA RLION , BLACKO ET RATMAN LE VRAI

LA CEREMONIE DE REMISE DE PRIX DU REGGAE DANCEHALL AURAS LIEU LE MERCREDI 24 JANVIER 2024 À PARIS

La première cérémonie physique de remise de prix pour la musique reggae, organisée par Dreadlocks TV.

Dreadlocks TV célèbre le reggae francophone au cours d’une cérémonie exceptionnelle : les Reggae Dancehall Awards. Une soirée de remise de prix pour célébrer les artistes et organisations qui font vivre cette culture : un Conquering Lion. Après un vote du public de 90 jours, c’est un jury composé de figures emblématiques de cette culture (King Daddy Yod, Ramsès de Saï Saï, Christian Moore, etc…) qui déterminera qui sont les pemiers lauréats de ces premiers Reggae Dancehall Awards. 

La liste des nominés, qu’ils soient évidents, inattendus ou controversés, propose une nouvelle représentation du paysage reggae dancehall francophone en saluant tant des artistes africains, ultra marins ou de l’Hexagone. Les votes publics sont à exprimer jusqu’au 31 décembre 2023 sur www.dreadlocks.tv ou sur X (compte @tvdreadlocks) 

La nouvelle chaîne TV a vu les choses en grand pour cette première édition :  Anthony Gussie, premier artiste à avoir chanté du reggae en créole, le jamaïcain Stranjah Miller, ou encore le britannique MC Brother Culture figurent sur la liste des surprises.. 

Dreadlocks TV assure un retour à la Terre mère en confiant la version anglaise de la présentation à Prissy Gomes, Miss Africa 2021 qui sera habillée pour l’occasion par le célèbre couturier Xuly Bêt. 

Ne manquez pas cette première historique et venez soutenir l’image et la culture d’une musique classée au patrimoine mondial immatériel de l’Unesco prônant la paix et l’unité. À bientôt.

Cérémonie retransmise en direct sur www.dreadlocks.tv le 24 janvier 2024.  

La programmation en ligne

L’association Kabay Prod en partenariat avec la médiathèque  de Sainte-Suzanne organisent  le samedi 29 Juillet dès 18H un hommage à deux dalons du Chaudron disparus l’année dernière . Deux « ZARLORS » de la musique de la Réunion et qui ont marqué l’histoire et aussi une prise de conscience à travers leurs textes et musiques .

Leurs visions de la société réunionnaise et son histoire qui été transcendée à travers leurs musiques . Une manière à eux de transmettre des messages et de dénoncer certaines incohérences dans la société .

Alors le rendez-vous est donné sous une forme d’ hommage à la médiathèque de Sainte Suzanne le samedi 29 Juillet dès 18H00

Ce serait une scène ouverte où tous les gens qui ont côtoyé ses deux grands de la culture de la réunion tels que les anciens dalons comme Jeanjo , Bernard Grondin ou encore Miane de Fami Mélody .

Entrée gratuite

Réservation conseillée dans la limite des places disponibles .

LA DIVA DU SÉGA Et ses invités :
Marie-Armande Moutou ,Christian Ducap ,Henri -Claude Moutou , Lucie , JF GANG

Mam’zelle Paula , Largu’ la sauce ou encore Bouscule, bouscule pas …
Des classiques qui font partie intégrante du patrimoine de la chanson Réunionnaise . A cet occasion , Michou et ses invités vous invitent à « Krazer » une ambiance de feu au téat afin de fêter dignement ses cinquante ans de carrière. Depuis toute petite, elle aimait écouter les
chansons à la mode, les ségas mais aussi les morceaux instrumentaux.
Il y avait un tourne-disque que Narmine Ducap avait acheté pour ses enfants. La musique est ainsi devenue la passion de Michou . A douze ans, elle enregistre son séga « Crazé salle verte » qui a été son premier grand succès commercial. Elle chante aussi dans le « Créole
Band », l’orchestre de variété de Roland Realison qui animait à l’époque tous les week-ends des dîners dansants dans le restaurant Le Dragon à Saint-Pierre.
Puis elle continue sa carrière et sort de nombreux 45 tours au rythme d’un disque par an. Considéré par beaucoup comme la reine du séga de La Réunion, Michou et ses invités vous invitent à chanter, danser et à faire la fête pour ce joli cadeau d’anniversaire .

Spectacle

Samedi 12 Août 2023 – 20h00TEAT PLEIN AIR 97434 SAINT-GILLES LES BAINS RéunionMusique – Durée : 1h30 – A voir dès 3 ans

Infos et résa : https://www.teat.re